소박파 화가인 앙리 루소는 “예술가의 스승은 자연”이라고 했다. 화가는 자연에서 모든 것을 배운다는 것이다. 그렇다고 꼭 스승이 자연뿐 일 필요는 없다.1960년대 한국문학을 대표하는 시인 김수영은 “시인의 스승은 현실”이라고 했다. 이 땅에 발을 딛고 사는 한 예술가에게 최고의 스승은 현실이라는 것이다.분명 현실은 화가들에게 그 어떤 표현과 충동의 욕구를 불러일으키며, 화가들은 그 현실을 직시하게 된다.이렇게 화가들은 눈에 보이는 현실적인 상황을 작가의 독특한 언어나 화법으로 담아낸다.그래서 이번 장범순 작업의 스승은 전적으로 오
“사랑은 흘러간다 이 물결처럼우리네 사랑도 흘러만 간다어쩌면 삶이란 이다지도 지루한가희망이란 왜 이렇게 격렬한가” - 아폴리네르(시인) 화실의 벽면에 걸린 김경희 작가의 대형 작품을 보는 순간 나는 충분히 황홀해 했다.파블로 피카소의 명언이 마치 그를 위한 것처럼 떠올랐기 때문이다.“마티스 이후 진정 색채가 무엇인지 이해한 화가는 샤갈뿐이다.”거의 모든 그림을 보아도 색채에 관한 한 샤갈은 20세기 최고의 사랑을 받은 색채 화가였다.그는 매우 풍부하고 다양한 색채를 사용했지만, 특히 빨강·파랑·노랑 그리고 초록색에서 그 진가를 발했
김명식 작가의 고향은 서울이다. 1949년 서울시 강동구 고덕동에 는 구역상으로는 서울이었지만 당시로써 너무나 변두리였고, 작가의 어린 시절에는 심지어 전기도 안 들어오는 곳에서 태어났다.그러니 당연히 그가 살던 어린 시절의 언덕배기에 집을 그는 결코 잊을 수 없었을 것이다.예술가는 결국 자기가 태어난 그 고향의 흔적과 환경을 벗어나기란 쉬운 일이 아님을 다시금 알게 된다.화분으로 작업을 하는 쟝 피에로 레이노가 원예과 출신이었다는 사실이 그렇고, 세계적인 조각가 세자르가 궁핍했던 학창시절 자동차 폐차장에서 아르바이트했던
드디어 3월, 그리고 4월 꽃피는 봄날이 왔다. 그 봄은 제일 먼저 최지윤 작가의 화폭에서 피어났다. 아름답고 우아하게, 온통 화사한 모습으로 지천에 핀 꽃들이었다. 그러나 저희들 꽃들만 온 것은 아니었다. 지독하게 화려하고 고혹적인 자태를 지닌 새들도 함께 데불고 왔다.사람들은 그런 그림들을 일컬어 화조화(花鳥畵)라 부른다. 기본적으로 화조화는 꽃과 조류를 그린 그림을 일컫지만, 흔히 보편적으로는 동물과 식물이 그려진 모든 그림을 통칭한다.거슬러 올라가면, 그러한 화조화는 선사시대 반구대 암각화부터 조선 시대 민화를 거쳐 현대에
김재관의 회화는 전통적 유형의 표현형식 체계에서 비껴 나 있으며 또한 일체의 회화적 감성을 배제한다는 점에서 흥미롭고 주목할 만하다.특히 회화가 보편적으로 그림이 가져다주는 시각언어의 즐거움을 거부하고 있다는 점에서 아니 그러한 생각이나 의지가 없다는 점에서 감성적이기보다는 이성적이다. 그렇다면 그에게 있어 회화의 본질은 무엇일까? 그의 화면은 온통 사각형 또는 삼각형등 기하학 세계로 가득 차 있다. 적어도 그에게 기하학적 조형이란 금세기 회화에 중요하게 대두되고 있는 그리드(Grid) 즉 평면성의 정의, 평면을 받쳐주는 기본적인
어느 미술사학자는 폴 세잔느가 사과를 그린 이후로 화가들이 그린 사과가 사람들이 먹어치운 사과보다 더 많다고 발표한 적이 있다.그렇다면 아마도 지구상에 살고 있는 여자의 숫자보다 예술가들이 그림으로 그린 숫자와 조각으로 만든 여자가 훨씬 더 많을지도 모른다. 그만큼 화가나 조각가에게 있어 여체라는 대상은 모든 사물을 표현하는 데 있어 가장 기본적인 예술적 대상이 되어 왔다.그런 이유로 동서를 막론하고 여체에 관한 예술가들의 탐구는 그 인간의 역사만큼이나 오래 거슬러 올라간다. 1909년 오스트리아의 빌렌도르프에서 발견된 10.3cm
거대한 전시장 공간에 100호를 넘나드는 대형작품들이 전시돼 있다.그것은 색채 중심이다. 빨강, 파랑, 혹은 검은 색 바탕위에 다양한 컬러의 물감 색선들이 위에서 아래로, 좌우로 끊임없이 흐른다.혹 감상자들은 이게 뭐지? 작가는 여기서 무엇을 말하고 싶어 할까? 왜 위에서 아래로 물감들을 흘려 보낼까? 권기자의 작품 앞에서 그런 질문은 언제나 유효하고 가능하다.그러나 이 작품들을 더 잘 이해하기 위해 우리는 잠시 1950년대 프랑스의 미술운동으로 돌아갈 필요가 있다.비평가 펠릭스 페네옹(Félix Fénéon)은 기존의 아카데미즘
이왈종 작가는 1974년 대한민국 최고의 권위를 가진 23회 국전에서 문화부 장관상을 받으면서 일약 화단에 주목을 받기 시작했다.전통적인 동양화의 문법을 따르면서도 독자적인 시각과 기법으로 한국화의 가능성을 독창적으로 보여준 것이다. 모든 사람이 부러워하는 엄청난 수상의 영예에도 불구하고 그는 결코 자만하지 않고 더욱 겸손했고 작업은 치열했다.1983년 라는 연작을 잇달아 발표하면서 이왈종은 한국화의 새로운 기수로 평가받았다.당시 한국화단에서 동양화의 위치는 대중들에게도 버림받고, 컬렉터들도 모두 등을 돌린 절체절명의
전지연의 작품을 보며 기하학적 추상미술의 화가 피에트 몬드리안(Piet Mondrian)을 떠올리는 것은 전혀 이상한 일이 아니다. 몬드리안은 일상적인 의 풍경에서 시작해 점진적으로 단순화 시켜 선과 면, 색채만으로 그만의 독창적인 추상의 조형세계에 도달했기 때문이다. 그는 자연의 사물을 수평선과 수직선만으로 생략하여 마침내 그 안에서 가장 이상적인 비례의 추상공간을 완성했다.전지연 작가는 일찍부터 라는 테마를 자신 회화의 모티브로 삼았다. 사전적 의미로 얼개란 어떤 사물이나 조직의 전체를 이루는 짜임새나 구조를
이흥덕 그림의 세계관은 유머와 풍자 혹은 성에 관한 훔쳐보기다. 훔쳐보기란 것은 허락되지 않은 은밀한 시점에서 숨겨진 것을 들춰보려는 욕심이기에 그것은 인간의 숨겨진 본능을 반영한다. 무엇보다 그가 화제로 삼고 있는 훔쳐보기 즉 관음증이라 명명되는 몰래 엿보기는 사람들의 기본적인 호기심과 화가의 욕망에서 출발한다. 그 훔쳐보기의 주요무대는 만들어진 혹은 꾸며진 몇 가지의 공간에서 이루어진다. 그는 오래 전에 시작했던 도시와 거리 그리고 카페공간에로 다시 야외나 실내로 그는 시선을 이동해 왔다. 그 무대는 예를 들면 야외: 화창한 봄
김현정은 이제 서른 살의 촉망 받는 여류 한국화가다.대중이나 미술애호가로부터 심각하게 홀대 받는 한국화 분야에서 유독 김현정 작가의 작품에 관해서는 이상하리만큼 예외로 반응이 뜨겁다.그녀는 전시할 때마다 엄청난 화제를 불러 모으고, 수많은 관람객이 그녀의 그림에 열광한다. 심지어 그녀는 이미 미술계의 아이돌, 그리고 셀럽으로 떠오르며 실제 그런 평가를 받고 있다.2017년 지가 선정한 ‘영향력 있는 30세 이하 30인’에 선정된 것이 그 실제적인 증거다. 이중섭과 앤디 워홀 등 유수의 국내전을 제치고 오로지 SNS와 입소문
인상주의 화가들을 빛의 화가들이라 부른다. 빛이 순간적으로 세상에 닿는 찰나에 집중해서 그림을 그린 사람들이다.이제 정택영 작가는 진정으로 회화에서 색채와 빛을 노래한다. 사실 이전에 그는 “빛”을 노래한 적이 없었다. 30대에는 회화의 빛나는 색채와 화면의 조형성에 치열하게 골몰했고, 40대에는 파리로 도불, 그야말로 에꼴 드 파리의 작가가 되면서 그는 비로소 서서히 “빛과 생명”이라는 명제 아래 그의 붓질에 인생을 걸었다. 그에게 파리로의 유학은 회화에 대한 근본정신과 세계를 이렇게 송두리째 바꾸게 된 인생에서의 결정적인 전환점
중국 베이징에서 활동하는 중국작가 오진환吳震寰 작품의 특징은 무엇보다 대륙적이고 동양적이라는 데에 있다. 대륙적이라 함은 그의 대다수 작품이 100호가 넘는 대작으로 거대한 스케일을 지니고 있다는 것이다.그가 이렇게 거대한 화폭을 가질 수 있는 배경과 이유는 무엇일까? 그것은 그가 자연과 사물을 바라보는 일에 아무런 선입관을 가지지 않고 화폭을 만난다는 점이다. 동시에 이것은 그가 피사체를 바라보는데 어떠한 것도 거침이 없는 시선을 유지하고 있음을 의미한다.그는 미술이 무엇인가라는 것을 알기 이전에, 그림은 하나의 자연을 담아내는
일찍이 모리스 드니는 1890년 “회화는 전쟁터의 말이나 누드의 여인 혹은 어떤 일화이기 이전에 본질적으로 일정한 질서 아래 색채로 뒤덮인 평면“이라고 정의했다. 무엇보다 회화는 색채로 둘러싸인 하나의 그림이라는 이야기이다. 그렇다면 왜 20세기 미술가들은 수백 년간 회화가 세계에 봉사했던 구상회화에서 등돌려 이해하기 어려운 색채와 형태의 예술에 빠져들기 시작한 것일까? 그것은 바로 지각된 현실을 미술로 옮겨야 하는 것이 미술가의 역할이라고 생각했기 때문이다. 혹은 로 잘 알려진 하태임의 추상작품도 이러한